Mauricio Atencia

La talentosa cantante, DJ, compositora y productora Virginia, que ha estado involucrada en la música por más de una década, se sentó hablar con nosotros vía Skype para conocer todo sobre su nuevo álbum y esa inyección rica, colorida y vibrante que ha plasmado en Ostgut Ton.

¿Cuáles son los factores que han contribuido a la evolución de la música electrónica?

“La única cosa que puedo decir es que, 20 años atrás, la música electrónica era underground y, ahora, el género se ha convertido en algo mainstream, en una tendencia. Obviamente, esto también sucede con la música pop y rock. Incluso la música de antes fue algo muy diferente de lo que es el EDM y las grandes estrellas de Las Vegas. La música electrónica de hoy en día es la más popular del mercado. Simplemente, ha evolucionado y se ha vuelto muy grande en los últimos tiempos, trayendo ventajas y desventajas. Además, hoy en día, todo se digiere más rápido. Por ejemplo, tú tienes a algunos DJs pioneros y chicos americanos como Jeff Mills, que aún sigue en el juego y sigue siendo importante en la música electrónica, pero, ahora, es muy difícil construir una reputación como la de él, porque hay muchos sellos y mucha música saliendo constantemente, entonces, es realmente difícil desarrollar un gran perfil.”

¿Cómo los escenarios de las súper estrellas?

“Sí, porque estamos llenos de productores y ahora es difícil volverse grande. Tú escuchas un disco que se vuelve un hit y suena por todos lados pero, luego de un lapso de tiempo, la fama se acaba, y creo que lo mismo sucede con la música electrónica. Se puede decir que han habido algunas figuras claves que se han mantenido durante muchos años pero la escena y el mercado ha crecido bastante.”

¿Tiene que ver esto con la era del Internet?

“Sí. Hay muchas cosas buenas acerca del internet pero las redes sociales y todas esas cosas pueden ser aburridas. En los clubs y en la pista puedes ver gente posteando cosas en Facebook o Twitter. Esto me sorprende porque, cuando empecé a ir a clubes, simplemente, había música en la pista de baile. Nosotros no teníamos celulares mientras que, ahora, todo el tiempo la gente está online compartiendo cosas desde sus celulares. Simplemente, tuve que acostumbrarme y ajustarme a la era del internet. No sé qué tanto el internet ha influenciado pero las personas se toman muy en serio estos aparatos y no oyen la música. No estoy diciendo que deben estar mirando mientras voy a estar en la cabina, no se trata de eso…”

Si están en el celular, van estar absortos en sus redes sociales y no van a estar oyendo la música…

“Sí. En realidad, se pierde el feeling.”

¿Piensas que, hoy en día, se trata más de los mecanismos tecnológicos y no de la música?

“No sé, la verdad. Pienso que cada artista debe decidir cuál es el mejor medio para tocar su música o buscar el mejor recurso para ello. Si ellos creen que es, simplemente, trayendo una USB, funciona. En mi caso, me siento mucho mejor si llevo mis discos pero hay veces, por ejemplo, en los festivales que no es algo bueno, ya sea por el stage, el movimiento o las personas alrededor tuyo. Tal vez, en esa ocasión, sí deba tocar con USB y ofrecer un DJ set digital. Pero, para mí, cuando toco con discos, es como un plan que ya tengo en mente, porque sé qué es lo que llevó y es muy diferente a cargar una USB con 128 GB de música, donde todo podría ser muy aleatorio. Yo sé que cuando hago un set con música digital, creo una carpeta en mi computador donde voy a estar segura de las canciones que van a sonar esa noche, pero creo que todo el mundo necesita encontrar la manera de tocar de una forma cómoda. Aunque, si hablamos de mí como consumidora, es mucho mejor ver un live porque, si veo a alguien mezclando, será mucho más interesante. Por ejemplo, si voy a un live set de Octave One, habrá muchos efectos y secuenciadores en el stage, y tú puedes ver todas estas máquinas y eso va ser algo muy interesante de ver.”

Para algunos artistas, el tema de los smartphones y las selfies son la mejor atmósfera que se puede producir con el público. Para ti, es todo lo contrario. ¿Cuáles son esas cosas que te hacen vivir una mejor atmósfera con el público?

“La mejor atmósfera con el público es que en realidad disfruto y me encanta cuando la gente viene y se unen a mi travesía musical. Ellos me siguen pero no están ahí mirando si voy a poner una canción más fuerte o qué estoy haciendo. No, ellos dejan que yo toque mi música y les muestre mi idea en cada set que realizo. Y eso es lo más importante. Otra cosa que podría hacerme sentir bien con el público en el club es cómo la gente, simplemente, deja el celular en su bolsillo y oye la música, o al menos que sean respetuosos con el flash. Utilizar el flash cuando realizan una foto o un video, para mí, mata vibras. Si en realidad le quiere sacar una foto a un DJ, ten la decencia de apagar el flash. Es bueno ver a la gente emocionada filmando y sacando fotos, pero no con el flash encendido…”

¿Por qué cree hay tanto pesimismo cultural en la escena electrónica? Sobre todo, en el eterno debate entre los DJs del underground y del mainstream, donde algunos piensan que un género es mejor que el otro…

“Eso también sucede en el punk, rock y pop. Siempre tiene que haber un camino más popular que le gusta a la gente pero nada es mejor o peor. Simplemente, es una contradicción. No estoy muy informada de la música comercial, pero eso no significa que odio a los DJs comerciales. Todo el mundo hace su música como se sienta más cómodo. Desde que uno se sienta cómodo con lo que hace, no hay necesidad de juzgar. Cada quien tiene su enfoque diferente hacia la música y le da su propia interpretación, Hay algunas personas que están en la música por dinero pero, también, hay otros que están porque simplemente tienen el motivo de hacer música. Hay algunas personas que son intérpretes y hay otros que son artistas reales, ¿me entiendes? Es como un sentimiento personal, sin importar si es comercial o underground. Es como decir: ‘Oh, estoy en la clase de los negocios, los hoteles, y las champañas’, o decir: ‘Oh, estoy aquí simplemente porque me gusta producir música, mezclar y tocar con artistas que comparten mi punto de vista y pasión por el género’. Tú también tienes esto en el rock y en el pop. Nosotros no somos los únicos. Por ejemplo, si voy a Las Vegas con mi maleta de vinilos y toco en el mismo lugar donde va a tocar Tiësto, el club va a estar vacío a en dos minutos. Lo mismo pasaría si Tiësto va a tocar en un club en el que habitualmente toco yo.”

¿Qué piensa de esos artistas underground que critican artistas mainstream a la hora de pedir votos, cuando ellos también lo hacen?

“Todo debe crecer naturalmente. Si yo compro votos o likes para promocionarme, creo que es algo patético, pero es mi opinión. Las cosas surgen naturalmente y, si las personas votan por mí, está bien pero, sino, no voy a estar como: ‘Oh, por favor, vota por mí’. Eso no tiene sentido. En realidad, al pedir votos o likes, no vas a ver cómo se construyó tú perfil porque no será algo real. No vas a saber qué es y que no es real, así que no tienen ningún sentido, al menos, para mí.”

Cuando un artista lanza un álbum, muestra su lado personal con sonidos experimentales o con sonidos para la pista de baile. Con esto en mente, ¿se puede considerar tu álbum como una crítica a ese formato de crear un trabajo para un momento en específico?

“Simplemente, puedo contarte mi receta para este álbum. Mis intenciones para el disco fueron producir, escribir y crear algo que pueda ocurrir en la pista de baile y pueda ser tocado en vivo, como una banda. Ese fue mi interés principal. No sé si hayan sonidos más experimentales o cosas así pero estoy segura que hay sonidos relacionados con la época de los ochenta y noventa, con esa sabiduría musical que se puede utilizar con una drum machine o sintetizadores. Pero no estoy aquí para criticar nada acerca de la música o tratar de reinventar algo. La música salió naturalmente con la gente que estaba trabajando: Steffi, Dexter y Martyn. Es una mezcla o una muy buena historia acerca de los géneros musicales que a mí me gustan, como el funk, el drum n’ bass y el garage.”

También, refleja tú amor por la música disco y muestra ese amplio y experimentado gusto que has adquirido en Berghain/Panorama Bar. ¿Cómo funcionó ese balance al manejar una línea entre techno con UK Garage, drum n’ bass, boggie y dubstep?

“Si tú escuchas el álbum, el tracklist es muy importante porque el álbum es una historia contada que va desde la primera canción hasta la última. Entonces, si cambias el orden de las canciones, el álbum no tendría sentido. Es una travesía en la cual te adentras, al principio, con algo de drum n’ bass para seguir después con garage, donde todo va teniendo sentido hasta ir del disco al electro buggie con algo más slow, culminando otra vez en garage.”

Sí, es una completa montaña rusa de emociones…

“¡Sí, sí! ¡Muchas gracias! Digo, el tracklist fue un poco difícil de encontrar y descubrir en el proceso de producción. Cada uno de nosotros -Martyn, Steffi, Dexter y yo- trabajó en todas las canciones y esto hace que tengan algo homogéneo. Porque no es algo como: ‘Oh, esta canción fue producida por Martyn, en su estudio y está por Steffi, en su estudio’. En vez de eso, todos trabajamos en cada una y eso convierte todo en un mismo paquete con una misma firma, lo cual se quiso lograr desde el principio. Obviamente, tuvimos que mover algunas cosas en ciertas canciones, como varias cuerdas y sonidos de tambores porque, en realidad, no funcionaba con las otras canciones del disco. Fue una experiencia y una aventura emocionante encontrar el sonido correcto.”

¿Qué fue lo mejor de producir un álbum con otros artistas y no cerrarse en esa idea de que el álbum debe ser el reflejo musical de una sola persona?

“En algún momento, tuve varias ideas y le mostré a Martyn lo que tenía. Luego, él trabajó en ello y, en ese punto, todo se salió de mis manos. Recuerdo que Steffi me dijo que el proceso no se podía dejar a la deriva. Después, cuando pude escuchar las grandes ideas de otras personas, todo pasó al siguiente nivel, y es grandioso compartir ideas entre todos porque cada uno brindo su especialidad y ponía todo sobre la mesa.”

¿Es mejor producir música sola o en compañía?

“En este punto, diría que nunca había podido tener un álbum con esta calidad tan perfecta, y nunca lo había podido lograr sin mi equipo porque, si nunca los hubiera invitado a trabajar conmigo y mi álbum, no sabría cuál hubiera sido el resultado. Sólo digo que si no estás abierto a la creatividad de otras personas, entonces, no deberías colaborar con nadie.”

Además, te encargaste de añadir una letra a cada canción, donde las voces se convierten en un mensaje de libertinaje que motiva a relajarse, disfrutar y tomar lo mejor de cada canción…

“¡Sí! Por ejemplo, en las canciones lentas es donde hay un desarrollo más personal. Yo misma trato de evolucionar todos los días, entonces, escribir canciones acerca del amor, de perder a alguien, ya sea un amigo o un pariente, sirve mucho. Y no sólo es escribir sobre la felicidad. También, hay momentos tristes porque no todo es: ‘Oh sí, ¡felicidad!’. A veces, no se puede negar que hay momentos donde uno está triste, y eso quería presentar en el disco y en el formato live.”

Ostgut Ton es un proyecto híbrido por naturaleza y no por condición: techno, house, ambient, R&B, y otros estilos conectan sin que se noten las brechas. ¿La estética pop y house de tu nuevo álbum concibe un nuevo futuro en el sello?

“La verdad, no lo sé. En realidad, creo que hay chances de que Ostgut saque un álbum tan bueno como este. Como tú dijiste, ahora hay muchos estilos en el sello y es una diversidad muy grande, porque todos los artistas que hay en Ostgut Ton ofrecen mucha diversidad. Yo veía mi trabajo como un desafío al tener todos estos géneros en el sello. Para mí, es un desarrollo natural. Cuando digo que voy a escribir un álbum, definitivamente, canto más en las letras que en los EPs que he producido. Yo quiero traerle mucha estructura al sello como si fuera música pop, cantando coros… Y estoy feliz de que el sello este teniendo todo en cuenta, dando este siguiente pasó conmigo.”

¿Cuánto duro la producción del disco?

“Entre cinco y seis meses. También, hubieron algunas ideas, como ‘Bally Linny’ o ‘Funkert’, que fueron hechas uno o dos años atrás pero, en ese entonces, eran algo muy básico y no estábamos muy enteradas que en el futuro iba salir en el álbum. Nosotras vimos posible incluir las dos pistas pero, principalmente, el trabajo se desarrolló entre cinco y seis meses.”

¿Crees que hay una diferencia entre el que siente pasión por la música y el que escucha música simplemente? Por ejemplo, DJs que están por fama y los que están por amor…

“Sin importar la razón que sea, escuchar música en casa, bailar por ahí o estar sentado en el sofá con tus amigos, lo que importa es disfrutar y liberar las emociones dentro de ti, haciéndote sentir feliz o triste. La música tiene alma y todo el mundo necesita decir por sí mismo por qué están escuchando la música que oyen. No creo que haya ninguna diferencia entre el que escucha música para ir a una gran fiesta o si escucha música para analizar a algún productor o saber qué tipo de sintetizadores, micrófonos o plugins utilizó…”

Entrevista realizada para la edición #11 de DJ Mag Latinoamérica. https://issuu.com/djmagla/docs...